(attention ceci n'est que ma propre vision, vous pouvez ne pas être d'accord avec moi)

Au cinéma, des personnages féminins charismatiques qui dégagent une aura particulière, il en existe beaucoup : Katniss Everdeen dans "Hunger Games", Beatrix Kiddo dans "Kill Bill", Scarlett O'Hara dans "Autant en emporte le vent", Ellen Ripley dans "Alien" ou encore Clarice Starling dans "Le Silence des Agneaux". Holly Golightly (jouée par Audrey Hepburn), dans "Diamants sur canapé", fait partie de ce genre d'héroïne. Le personnage d'Holly est particulier du fait que c'est une femme dont tu peux tomber éperdument amoureux(euse), que c'est une femme qui te rendra heureux(euse) et qui pourra te détruire par la même occasion.

J'ai trouvé ce film très mélancolique. En effet, le long-métrage de Blake Edwards alterne entre des scènes heureuses et drôles, et des scènes tristes et où le ton dramatique domine. La musique très réussie d'Henry Mancini renforce cette mélancolie, dont notamment la chanson "Moon River". Dès le début du film, on sait que tout va tourner autour d'Holly Golightly. Holly est une jeune femme qui tente de ressembler à une jeune bourgeoise new-yorkaise. Elle s'invente donc un personnage. Tous ceux qui la fréquente, découvre alors une femme qui s'habille avec des vêtements de luxe, qui fréquente des lieux destinés aux personnes riches tels que la bijouterie Tiffany's, qui organise les fêtes les plus en vues de New York. Mais cette Holly n'est pas la vraie Holly Golightly, ce ne sont que des artifices. La vraie Holly est d'origine texane, elle a quitté sa terre natale pour être quelqu'un d'autre à New York et elle souffrait de cette vie qu'on lui avait imposé là-bas, au Texas. Mais elle est tout de même nostalgique de cette ancienne vie et son frère lui manque. Le rêve new-yorkais d'Holly n'est finalement resté qu'un rêve car la Grosse Pomme est également la ville de la désillusion. Holly a été obligé de se prostituer pour pouvoir gagner sa vie (j'ai découvert qu'elle se prostituait qu'après avoir lu des analyses du film et pas pendant que je le regardais). Holly rêve donc de se marier à un homme riche pour pouvoir mener une vie de plaisirs, mais comme toujours la réalité rattrape le rêve... Pour moi, Paul Varjak (joué par George Peppard) est également un personnage important et intéressant. C'est un écrivain raté et qui a également un rêve : celui d'être enfin reconnu pour son talent d'écriture. Mais cela risque d'être compliqué car au fur et à mesure que le film avance, Paul s'attache de plus en plus à Holly et cela peut se révéler dangereux pour lui...

L'histoire de ce film est en fait adapté d'une nouvelle de Truman Capote. Blake Edwards a voulu montrer, par le biais de ces deux personnages, que la vie est parfois cruelle mais qu'elle peut être aussi aimable envers nous. Il a voulu montrer que le réel est souvent plus fort que le rêve. Les personnages du film d'Edwards sont aussi les représentants de cette population new-yorkaise qui rêve d'accéder à l'étage élevé de l'échelle sociale mais tout comme la vie, New York est parfois cruel.

Pour ma part, j'ai plutôt bien aimé ce film. Je l'ai trouvé très beau, très coloré, à la fois triste et drôle. Etant un classique du cinéma, je pense que c'est bien de s'intéresser à ce film et de le regarder.

(attention ceci n'est que ma propre vision, vous pouvez ne pas être d'accord avec moi)

Faire un film engagé à la manière d’un documentaire sur la Bataille d’Alger, tel était l’objectif de Gillo Pontecorvo. Mais le réalisateur italien ne devait sûrement pas penser à l’époque que son film ferait face à la censure dans de nombreux pays dont la France.

“La Bataille d’Alger” est un film de guerre réalisé en 1966 par Gillo Pontecorvo. Ce film témoigne d’un événement important de la Guerre d’Algérie (1954-1962) : la Bataille d’Alger. Ce conflit a opposé des membres du FLN à l’armée française qui était représentée par des parachutistes français. Les personnages principaux du film sont Ali la pointe (membre du FLN, joué par Brahim Haggiag), Djafar (membre du FLN, joué par Yacef Saadi qui joue son propre rôle) et le Colonel Mathieu (chef des parachutistes, joué par Jean Martin). On suit tout au long du film le déroulement chronologique de ces affrontements au cœur d’Alger.

Ce film ayant pour thème un événement historique, Pontecorvo utilise différents moyens pour renforcer le réalisme de son oeuvre. Tout d’abord, la plupart des acteurs et figurants sont des algériens qui n’ont jamais tourné dans des films mais qui ont vécu la Guerre d’Algérie. Le fait que le film a été tourné en grande partie à Alger renforce aussi ce réalisme. De plus, le film est en noir et blanc, ce qui donne une impression de regarder des archives historiques et non un film destiné à être projeté au cinéma.

Lorsqu’il réalisa “la Bataille d’Alger”, Pontecorvo voulait montrer également que les deux groupes (FLN et paras) utilisaient des méthodes pour arriver à leur fin que l’on pouvait critiquer. Il voulait donc montrer qu’il n’y avait pas de “gentils” ou de “méchants” dans cette bataille. En effet, on pouvait remettre en cause l’usage de la torture lors des interrogatoires du côté des paras et les attentats terroristes qui firent de nombreux morts du côté des membres du FLN. Il voulait donc montrer qu’il n’y avait pas de “gentils” ou de “méchants” dans cette bataille.

Pendant tout le film, l’ambiance est assez tendue et le suspens très présent. On peut remercier pour cela Ennio Morricone qui a composé la B.O.

Pour ma part, j’ai adoré le film ! Il m’a tenu en haleine jusqu’à la fin et j’ai pu mieux comprendre certains aspects de la Guerre d’Algérie et de la Bataille d’Alger.

Donc si vous souhaitez voir un film qui traite de ces événements historiques ou si vous êtes tout simplement curieux d’en apprendre plus sur cet affrontement et sur cette guerre, alors foncez ! Vous pouvez aussi très bien le regarder pour d’autres raisons car la mise en scène de Gillo Pontecorvo est également superbe !

Un autre détail sur cette oeuvre cinématographique est que le film a été qualifié par moment de film de propagande, de part ses idées. Je ne préfère pas me prononcer sur cet aspect car je n’ai pas assez de connaissances sur le sujet mais en tout cas je peux vous dire que quand je l’ai regardé, je n’ai pas eu l’impression de voir un film de propagande. Enfin bon, c’est quand même un sujet délicat ! Cette vision du film est ce qui a entraîné le film à être censuré pendant un moment dans plusieurs pays.

Et moi qui pensais que le genre horrifique était à son point mort, ce film prouve le contraire !

Chris Washington (Daniel Kaluuya) est un jeune homme noir qui pendant un week-end part rencontrer les parents (Dean et Missy, joués par Bradley Whitford et Catherine Keener) de sa copine, Rose Armitage (Allison Williams). Mais Chris appréhende un peu leurs réactions au vu de sa couleur de peau. Finalement, les parents de Rose sont très gentils et accueillants. Mais cela n'est qu'une impression... Bref, je vais pas vous spoiler la suite !

L'ambiance du film vous mettra très vite mal à l'aise. Cela est sûrement dû à la mise en scène (de Jordan Peele), au jeu des acteurs et à l'ambiance sonore (la musique est composée par Michael Abels). L'angoisse évolue crescendo pour atteindre son apogée et vous faire transpirer. Mais ce film ne cherche pas seulement à faire peur (même si c'est tout de même très bien réussi), il veut également dénoncer. En effet, " Get Out " dénonce de manière brillante le racisme, le passé esclavagiste des pays colonisateurs et même la dépendance aux appareils numériques.

Pour ma part, j'ai adoré ce film ! C'est la première fois que je vois un film d'horreur aussi cool (il arrive presque à surpasser " Split " de M. Night Shyamalan) ! L'ambiance du film m'a mis mal à l'aise et m'a fait transpirer de tout mon corps (merci les jumpscares) pendant plus d'une heure !

Je vous conseille donc vivement d'aller le voir parce-qu'on va bientôt parler que de ce chef-d'oeuvre !

(attention ceci n'est que ma propre vision, vous pouvez ne pas être d'accord avec moi)

La folie est un thème récurrent au cinéma. Mais Elia Kazan a transposé ce thème dans son film de manière grandiose par le biais d'un personnage intriguant et effrayant. Ce personnage c'est Blanche DuBois (Vivien Leigh), une ancienne professeure d'anglais, qui part habiter pendant un moment chez sa soeur, Stella (Kim Hunter) à la Nouvelle-Orléans. La mécanique du film se compose de la manière suivante : le film alterne les scènes calmes (les moments de joie, de complicité entre Blancheb et sa soeur...) et les scènes violentes dans les mots et les gestes (confrontations entre Blanche et Stanley, le mari de Stella joué par Marlon Brando, la déchéance mentale de Blanche qui tombe peu à peu dans la folie...). Pour exprimer cela, Elia Kazan utilise différentes techniques de mise en scène comme le clair-obscur, le fondu image ou d'autres jeux de lumière. La musique du film est également très bien choisie (elle est composée par Alex North) car le jazz colle très bien avec l'ambiance de la Nouvelle-Orléans et avec l'ambiance générale du film. J'ai voulu regarder ce film car je désirais m'intéresser aux classiques du cinéma et franchement je n'ai pas été déçu. Même si le noir et blanc me perturbait un peu au début, je suis très vite rentré dans le film et j'ai adoré l'ambiance théâtrale, le jeu des acteurs qui est incroyable (j'ai découvert Marlon Brando et quel comédien !). Pour conclure, c'est un film que je conseille à tous les cinéphiles et même aux curieux qui aimeraient découvrir le cinéma des années 50.