N'ayant pas été une grande fan du premier film, je n'avais pas d'espérance en particulier en allant voir le second opus, si ce n'est un spectacle d'effets spéciaux en 3D avec des thématiques telles que la connexion à la nature, la protection de l'environnement et la lutte entre des races intelligentes.

J'ai trouvé l'intrigue creuse et fade, marquée par le retour du vilain créé dans le précédent film. Il n'y avait pas d'originalité à ce niveau et le fait que le spectateur ait été familiarisé avec le cadre de Pandora a atténué l'effet de surprise qui a été salué par la critique en 2009.

On retrouve les mêmes thématiques abordées au commencement auxquelles s'ajoute l'acceptation de la différence introduit par les enfants de Jack, des métisses qui ont eu du mal à se faire accepter par le peuple des récifs, la relation père-fils, et l'accueil des réfugiés de guerre, on-ne-peut-plus d'actualité.

On sentait bien l'attachement du réalisateur d'en mettre plein la vue avec ce nouveau milieu dans lequel la famille Sully trouve exil au point que j'ai trouvé cela insistant et long ce qui fait traîner l'histoire.

Les effets spéciaux sont au rendez-vous mais au bout de 3h de film ont tendance à devenir étourdissants plus qu'impressionnants.

Un film bien réalisé axé sur l'investigation des abus sexuels commis par Harvey Weistein tout au long de sa carrière et ayant marqué à vie nombre de ses victimes.

Le duo d'actrices Carey Mulligan - Zoe Kazan révèle la complicité de Megan Twohey et de Jodi Kantor au cours de leur laborieuse recherche de témoignages qui corroboreraient les agissements de Weinstein.

Ce film n'est pas uniquement au sujet d'une enquête sur un prédateur sexuel mais rend compte de la dénonciation d'un système entier protégeant les hommes et cautionnant la sexualisation des femmes dans l'industrie cinématographique à des fins professionnelles.

Cet aspect est révélé par l'attachement du réalisateur de montrer les femmes dans leur vie de tous les jours en mettant en scène le quotidien de Megan et de Jodi partagé entre leur vie de famille et leur métier de journaliste.

On sent que Megan et Jodi sont transcendées par cette enquête et que leur condition même de femme est touchée.

Il ne s'agit plus uniquement de rédiger un article sur des faits mais de dévoiler un travers de la société, d'élever une question sociale qui impacte tous les jours la vie des femmes.

Le film a bien su transmettre le mal-être psychologique des victimes, tenues au silence ainsi que la tension permanente des journalistes alimentée par les conséquences qu'une telle investigation peut avoir sur leur vie, notamment le risque d'être tenues au silence par des hommes malveillants, et par l'enjeu de dénoncer pour protéger des générations de femmes.

Un film captivant avec un casting performant qui nous tient en haleine jusqu'au bout.

L'histoire est originale ce qui rend le déroulement de l'intrigue imprévisible d'où le suspense constant sans que cela ne traîne en longueur grâce à une réalisation efficace et sans fioritures.

Le jeu d'acteur de l'ensemble du casting contribue à rendre les scènes prenantes et réalistes.

Ralph Fiennes brille par son habituelle habileté à demeurer facialement statique tout en étant d'une expressivité remarquable. Son seul personnage détermine l'atmosphère froide et calculée.

Il démontre par son langage corporel qu'il est le maître dans ce restaurant et sur cette île.

Anya Taylor-Joy incarne son rôle avec charisme et panache, le personnage de Margot ayant un caractère bien trempé, indomptable, perspicace et un sens de la répartie bien senti ce qui semble correspondre aux rôles auxquels Anya est si bien associée.

La manière dont elle a saisi le mode de pensée du Chef lui a permis de le prendre à son propre jeu et de ressortir vivante de cette expérience traumatisante.

Nicholas Hoult incarne un personnage glouton, illuminé par l'art du Chef et son obstination à considérer que tout se passe bien en dépit des tragédies qui se déroulent les unes après les autres au fil des plats donne une touche d'humour bien noire et rend l'atmosphère encore plus glauque lorsque l'on se rend compte de l'emprise mentale que le Chef peut exercer sur ses clients au même titre que sur son personnel.

La réalisation du film est efficace, il n'y a aucun moment de flottement ni d'ennui, les scènes s'enchaînent avec aisance jusqu'à la fin à la fois horrifiante et pleine d'auto-dérision.

Dans le genre thriller psychologique, The Menu est définitivement un film qui devrait faire parler de son réalisateur Mark Mylod.

A voir et à revoir.

Commentaire sur la trilogie (parce que, sérieux, c'est une des meilleures qui soit !)

Une série de films très originale, qui reprend la marque de fabrique de Dreamworks connu pour préparer des alliages étonnants.

En effet, quoi de plus surprenant que l'amitié d'un jeune Viking et d'un dragon dans un monde où humains et dragons se livrent une lutte acharnée ?

Voici de quoi parle cette trilogie qui donne une leçon d'humilité et de tolérance : Harold, ce Viking en total déphasage par rapport au reste des siens, a fait de sa différence une force en admettant le premier que les dragons sont des être sensibles et doués d'intelligence qui ne se battent que pour se défendre et peuvent être les meilleurs alliés qui soient. Il est ainsi parvenu à dresser un Furie Nocturne et à établir un lien fort, bien plus fort qu'avec n'importe quel humain, sans doute rendu plus intense par le sceau de l'interdit.

Or, cette amitié engage bien plus qu'Harold et Krokmou. Elle a été le premier pilier de l'alliance entre les hommes et les dragons ce qui a considérablement élargi leur capacité : grâce aux dragons, ils peuvent se défendre, se battre, explorer et aller toujours plus loin.

Grâce à cela, Harold a profondément changé Beurk et est parvenu à se faire une véritable place, non plus comme le fils du chef du village, mais comme le héro et le gardien de la paix de ce côté-ci de la mer.

Au cours de ses aventures, on suit l'évolution impressionnante de son personnage qui passe d'un adolescent malingre en quête de reconnaissance, à un sauveur à la recherche de son identité, puis à un chef idéaliste et enfin un leader expérimenté et réaliste qui a su rendre la liberté aux dragons. Cette évolution se fait en même temps que celle de Krokmou qui défit autant les pronostics en devenant roi et meneur des dragons.

Le caractère de Harold rend les choses encore plus attrayante : au début, il se protège en prenant tout avec dérision et ses commentaires sarcastiques m'ont bien fait rire.

Cette trilogie est une des meilleures animations qui soient : bien plus mature qu'on ne le pense qui interroge sur les conflits de race, la quête d'identité, le leadership dans les moments les plus sombres et enfin l'acceptation de protéger un groupe au-delà de ses intérêts personnels.

How to train your Dragon est une merveilleuse franchise avec des effets visuels et musicaux spectaculaires dont on ne se lasse pas. Cela a surtout de la cohérence (on a bien un début, un milieu et une fin qui s'enchainent bien).

Pour mieux saisir l'évolution des personnages, rien de mieux que de visionner la série de 8 saisons diffusée par Netflix qui révèle ce qu'ont fait Harold et ses amis durant les 5 années qui s'écoulent entre le 1er et le 2nd film.

L'épilogue me semble parfait pour clôturer cette série parfaite.

Un film bien orchestré qui joue sur le symbolisme tant du point de vue des prises de vue que du message même de l'histoire et ce en vue de dénoncer les inégalités sociales en Corée du Sud. Pour ce faire, le réalisateur n'a pas hésité à jouer sur les stéréotypes au point que cela en devient caricatural pour le spectateur.

Les acteurs sont brillants et incarnent à la perfection leur rôle au point qu'ils sont leur personnage et rien d'autre.

Il est amusant de voir les combines mises en place par les enfants de la famille pauvre pour prendre une part active dans la demeure de la famille richissime, jouant sur les défauts d'une famille fortunée : le manque de méfiance, et la propension à régler leur problème en payant.

C'est là tout le sens de l'histoire : dévoiler ce que font les pauvres et les riches pour s'en sortir. Les premiers utilisent la ruse, la manipulation, voire la perfidie et les seconds en dégainant leur chéquier.

Le tout donne lieu à une famille parasite qui s'accroche à une famille fortunée jusqu'à ce qu'évidemment leur ruse soit dévoilée lors d'une tragédie qui craquelle tout leur plan et remet en cause l'intérêt de tout cela. Cependant, quand ils s'en rendent compte, il est déjà trop tard et la famille pauvre se retrouve amputée de ses membres, encore plus honnie par la société qu'elle ne l'était auparavant.

Seul un espoir tenu leur est offert vite tempéré par la chute que nous offre Bong Joon Ho.

Un film qui s'apprécie par ses effets spéciaux et par tout ce qui peut rappeler les éléments iconiques du livre mais qui prend néanmoins beaucoup trop de libertés scénaristiques pour que je puisse vraiment l'aimer.

Il est dommage que la personnalité d'Artémis ait été à ce point altérée et l'histoire autant modifiée : initialement, Artémis est un génie du crime qui kidnappe une fée pour rançonner l'or du Peuple, il n'est en aucun cas question d'alliance entre lui et les fées dans le premier tome. Ce qui rendait le début de l'intrigue intéressant a été modifié au profit d'une histoire plus fantaisiste qui a infantilisé l'oeuvre d'Eoin Colfer.

Le casting est plutôt bien choisi et encore une fois, les effets spéciaux valent le détour, ce qui n'est pas étonnant de la part de Kenneth Branagh.

Attirée par le film notamment pour les acteurs, je n'ai pas été déçue de l'histoire romantique entre Sae et Kohei fissurée par les affres de la vie mais reconstruite par les vertus du destin.

L'histoire se déroulant entre 1996 et 2006, on perçoit vraiment l'évolution des personnages, surtout celle de Sae qui depuis le petit village de pêcheurs d'Hokkaido d'où elle est originaire, parvient à devenir une jeune femme accomplie travaillant à New York. La rapidité du temps qui passe est bien rendue par les ellipses entre les périodes ce qui fait que l'on redécouvre le personnage dans un autre milieu, plus mature un an plus tard.

Alors que Sae finit par percer et réaliser ses rêves, Kohei subit malheur les uns après les autres et finit par se retrouver de plus en plus isolé. Sae et Kohei n'ont cessé de se croiser et de se recroiser depuis leur rupture, se séparant l'un de l'autre davantage à cause de leurs responsabilités respectives avant de finalement, par un coup du destin bien placé, de se retrouver devant ce fameux cerisier en fleurs si symbolique de l'évolution des personnages, prêts à recommencer une histoire ensemble.

J'ai beaucoup aimé la manière dont le destin se jouait d'eux pour les rapprocher de nouveau (notamment par l'allusion à la maquette du bateau construit pour Sae par Kohei qui a bien dû parcourir le monde). Au final, on s'attend à ce qu'ils finissent ensemble sans savoir comment cela aller se passer, si ce serait devant ce phare, au Canada, ou bien ailleurs mais c'est finalement à Hokkaido, devant le cerisier, là où tout a commencé, que tout finit bien.

Encore une fois, et pour avoir vu Toma Ikuta dans des rôles biens différents, j'ai été impressionnée par son jeu d'acteur si naturel comme s'il était véritablement comme cela dans la réalité et ce qu'importe le personnage qu'il incarne. L'apanage d'un vrai talent d'acteur, manifestement.

La musique dont est inspiré le film, Hanamizuki, est vraiment belle à écouter et concorde bien à l'histoire.

C'est un de ces films que je ne me lasse pas de regarder et qui est plus réaliste que la plupart des films d'amour japonais à l'eau de rose car l'histoire a su confronter les personnages à la dure réalité de la vie.

A voir et à revoir!

La mise en scène sauve le cynisme et l'arrogance latents qui caractérisent les personnages tant principaux que secondaires.

La trilogie est merveilleuse à regarder, on y retrouve le charme du cinéma des années 50. Les acteurs sont excellents dans leur rôle notamment le casting principal. Romy Schneider incarne vraiment bien la jeune impératrice inexpérimentée et spontanée que le peuple de l'empire aime tant. L'actrice a su démocratiser la célébrité de Sissi au milieu des années 50. Elle passe d'ailleurs très bien à l'écran quand il s'agit d'incarner des personnages historiques dans leurs jeunes années comme la reine Victoria dans "Les jeunes années d'une reine". On retrouve les éléments principaux qui ont marqué la vie de l'impératrice, de son mariage d'amour avec l'empereur François-Joseph, de ses relations tendues avec sa belle-mère, l'archiduchesse Sophie, celles plus privilégiées avec sa famille bavaroise à sa réticence à restreindre son comportement au respect de l'étiquette de Charles Quint au point que Sissi trouvera du répit uniquement en s'exilant en voyage la majeure partie du temps. Il est cependant dommage qu'il ait été passé sous silence le décès de sa fille aînée Sophie qui a manifestement marqué l'impératrice ou la naissance de Rodolphe, l'héritier mâle tant attendu. Mais j'imagine que c'est pour éviter de plomber le romantisme à l'eau de rose des films que ces passages n'ont pas été abordés.

Mais le reste est vraiment beau à voir, les costumes sont magnifiques et concordent bien aux tenues d'époque, sans parler du cadre du château de Schonbrunn et de la Bavière.

Un très beau film qui se laisse regarder avec captivation. On est aussi charmé par les manières de gentleman de David que Jenny elle-même qui va développer une relation avec lui de laquelle elle tirera une éducation sur la vie. David lui fait découvrir les attraits de la vie mondaine en l'emmenant à des concerts de musique classique, de jazz, en lui faisant déguster des plats dans des restaurants chics et en l'entrainant dans des villes romantiques et de culture telles que Paris ou Oxford.

Jenny va peu à peu prendre goût à ce train de vie si attractif qui lui fait réaliser d'à quel point son existence de lycéenne était fade et sans intérêt. Elle mène une sorte de double vie, écolière le jour et femme mondaine le soir.

L'habilité de David lui a permis non seulement de séduire Jenny, réputée pour son sérieux et son ambition académique mais également ses parents, conservateurs et stricts qui vont se laisser aisément duper par David. Le plus amusant a été la complicité entre David et Jenny pour convaincre les parents de cette dernière de la laisser s'amuser avec lui tout d'abord pour un simple concert puis de façon plus audacieuse pour ce fameux week-end à Oxford.

La différence d'âge entre David et Jenny est la base même de leur relation : c'est en effet grâce à son expérience de la vie, à son charme de séducteur averti que Jenny finira par remettre en cause son avenir et par choisir de vivre une vie palpitante.

Cependant, ce fut sans compter les cachotteries dont David a le secret dissimulées derrière ses apparences de bon parti.

Les duos d'acteurs Carey Mulligan-Peter Sarsgaard et Rosamund Pike-Dominic Cooper transmettent bien la relation entre les personnages.

Outre le jeu des acteurs, la musique, les décors, tout contribue à faire du film de Lone Sherfig un plaisir visuel, tout cela adapté du roman biographique de Lynn Barber.